Drama

Marcio Melo

May 22 mai - September 7 septembre, 1998

1170 chemin Aylmer, Aylmer, Québec, Canada   819-777-1088

Le processus créatif

  "Drama" est un thème pour un spectacle que j'ai en tête depuis plusieurs années. Cet hiver, j'ai été approché par le Château Cartier pour exposer dans le cadre de leur nouveau programme de promotion des artistes locaux émergents. Après avoir vu la riche élégance classique de l'espace d'exposition, et donné une totale liberté artistique dans mes œuvres, j'avais un lieu pour mes idées que j'avais formées. Bien que souvent lié à la scène, le drame est également défini dans le dictionnaire comme une qualité ou un effet frappant ou vif. J'ai projeté cette définition du mot dans mes toiles, du choix des thèmes à la création des cadres, afin d'obtenir une atmosphère d'une riche intensité. "Drama" est un spectacle autobiographique qui joue avec différentes idées allant de la vie quotidienne ordinaire à un symbolisme plus profond et personnel. C'est une célébration de la vie et de la peinture à travers une vision intérieure formée au fil des ans. Pour "Drama", j'ai créé dix-neuf peintures à l'acrylique sur toile. Leur grande taille (seize mesurent 76 cm sur 101 cm (30 "sur 40") et trois mesurent 101 cm sur 152 cm (40 "sur 60")) convient à l'endroit. Chaque peinture est finie avec mes cadres de marque, texturés et peints pour compléter le travail.

 

Le printemps  (Spring)

L'année dernière, j'ai vu une exposition au Musée des civilisations sur l'artiste de la Nouvelle-Écosse Maude Lewis. Je me souviens avoir passé plusieurs heures à admirer son sens de la couleur, la simplicité de son travail et le message positif qu'elle véhiculait. Cette peinture est basée sur celle que j'ai réalisée sur papier à l'époque, inspirée de son travail. Cette même imagerie a été utilisée récemment dans une murale en collaboration avec les artistes Marie-France Nitski et Liz Minnes célébrant le Festival des tulipes d'Ottawa situé au coin des rues Rideau et MacKenzie.

 

Musa Modigliana

Comme enfant, j'ai passé d'innombrables heures à dessiner des figures féminines. J'ai pris un réel plaisir à dessiner les yeux, les cils, les sourcils, les lèvres et les cheveux. J'aurais été heureux de dessiner pour des magazines de mode si cela avait été mon destin. La veille du début de cette peinture, j'ai passé un certain temps à apprécier la précision figurative de la peintre portugaise Paula Rego dans un livre que j'avais emprunté à la bibliothèque.

Après avoir quitté ce livre, j'ai parcouru un autre contenant des peintures de l'italien Modigliani, dont j'admire profondément les œuvres. Ces deux influences combinées à mon amour pour les peintures de femmes mulâtres brésiliennes ont été les forces derrière cette création. Pour moi, peindre n'est pas une question de se prouver ce que l'on peut faire, mais plutôt de faire ce qu'on peut faire. Je dois permettre à certains accidents de se produire, ce qui me permet de créer quelque chose de nouveau. La fille du tableau peut être brésilienne ou italienne; la composition ne montre aucun élément culturel à part le fond vaguement abstrait qui me fait parfois penser à une pochette de disque Bossa Nova de Stan Getz et Joao Gilberto.

 

Our Lady of the Fresh Waters (Notre-Dame des Eaux Douces)

Contrairement aux saints catholiques qui sont très représentés dans l'art à travers la peinture et la sculpture, il y en a peu qui honorent les saints de la religion brésilienne candomblé (une religion africaine qui vénère les forces de la nature, telles que les océans, les rivières, les forêts et les plantes) . Une exception est Iemanja, la déesse de la mer - régnant sur les océans, l'art populaire la représente comme une femme sensuelle vêtue d'une longue robe bleue, les mains étendues. Autant que je sache, elle est représentée par tous les artisans de la même manière reconnaissable.

Reine des eaux douces et de la fertilité,

Oxum est vaniteuse et séductrice.

Elle est délicate comme le chuchotement d'un ruisseau,

puissante comme la cascade ...

Les femmes souhaitant concevoir la prient.

En 1992, j'ai travaillé sur une série de ces saints brésiliens utilisant des peintures au doigt sur papier pour une exposition en plein air qui a été annulée à cause de la pluie. L'un d'eux était Oxum, la déesse des eaux douces. Elle avait une ressemblance inconsciente avec l'une des statues de Michel-Ange; la façon dont elle avait levé son bras derrière sa tête. Cette peinture d'elle est basée sur la première, sauf que son style est plus proche de la représentation populaire d'Iemanja. Oxum est connu pour être extrêmement vaniteux; elle tient un éventail en métal incrusté de bijoux en or avec un miroir. Ses couleurs sont le jaune, le blanc et l'or.

 

À la table (At the Table)

Cette peinture est le résultat de la combinaison de deux précédents similaires réalisés dans différents supports (aquarelle sur papier et acrylique sur miroir). L'aquarelle est à l'origine de l'idée. En dessinant d'abord le contour du tableau, puis les personnes, un effet transparent a été créé. Ce n'est que plus tard que j'ai pris conscience que cette situation pouvait être interprétée de deux manières différentes. Il n'est pas clair si les mains des gens pourraient être sous ou au-dessus de la table. Dans la deuxième version, j'ai profité de cet effet, travaillant sur un miroir trouvé à Pise, en Italie. L'utilisation de colonnes et d'arcs en arrière-plan est tirée de l'architecture locale. Mon expérience à la table du dîner italien explique le désordre spontané et naturel, le chien et le canard.

 

Le magicien (The Magician)

Ce tableau est basé sur un dessin à l'aquarelle et à l'encre réalisé en 1991. Je l'ai réalisé avant mon premier spectacle et fait écho à une époque au Brésil où mes dessins étaient inspirés par des danseurs. Il s'est démarqué du reste d'une série pour une raison particulière. Parce que l'original a été fait sur du papier non archivistique, je n'avais distribué que des reproductions, qui étaient très populaires. C'est mon hommage à ce magicien, un original permanent de grande taille. Étirant les bras, ni debout ni en mouvement, le magicien aux jambes allant dans des directions différentes communique une étrange sensation d'équilibre. Le rideau derrière lui se cache, tandis que la boîte révèle les éléments de sa magie.

 

The Watsons

Dans le nord-est du Brésil, vit un artiste du bois appelé Amaro Francisco. Il est connu pour ses compositions simples représentant des scènes populaires. Il utilise des blocs de couleurs solides et brillants, imprimés sur un fond blanc pur. Chaque image est limitée à sa simplicité maximale, ce qui donne un travail final qui ressemble à un puzzle de zones réunies. Cette façon de travailler permet à l'artiste de développer une idée sans avoir à savoir ce qu'il va faire ensuite, comme construire un mur avec des roches colorées de différentes tailles et formes. Quand j'ai commencé à faire des aquarelles, je voulais simplifier les choses. J'étais impatient d'attendre qu'un lavage sèche pour qu'il puisse être retravaillé. Je voulais continuer sans interruption ni direction définie. Cette solution d'impression en bloc me permettrait d'accomplir cela. Cette peinture est une transposition de ce style à l'acrylique sur toile.

Un jour, mon ami Ted m'a montré une vieille photo de sa famille. Au dos, il était écrit George Watson and Family. C'est une de ces photos du passé où tout le monde est posé pour un seul cliché. Le père debout, la mère assise avec ses enfants, dont un bébé. J'ai adoré les longs vêtements de baptême, tant ils toucheraient le sol. J'ai décidé que je voulais en faire une peinture mais je ne savais toujours pas comment l'aborder. Un jour, je me suis assis avec mes aquarelles avec la photo près de moi et j'ai commencé à dessiner tous les membres de la famille. J'ai commencé au centre du journal avec le père, suivi de la mère, suivi du bébé et de ses frères et sœurs. Je ne me souviens pas vraiment quand ni pourquoi j'ai décidé de les placer dans un bateau à l'eau. Peut-être parce qu'il a le même sentiment intemporel que j'ai trouvé sur la photo. Il les contient et les maintient ensemble au centre de la scène sans nous dire s'ils vont ou viennent, s'ils arrivent ou partent, suspendus dans le temps. La pleine lune derrière eux reflète précisément quatre rayons de lumière au premier plan de l'image, comme pour représenter symboliquement leurs lignes de vie et leur destin. La mère et le bébé sont placés sur une seule ligne.

 

Força e Equilibrio

Même si le cirque a été une source d'inspiration évidente pour ce tableau, sa signification est plus symbolique que basée sur la réalité. Le titre est le résultat de mes réflexions après sa conclusion. La force, car l'interprète principal semble être en albâtre, et sert de support à celui du haut. Équilibre, car ils s'intègrent en étant de natures différentes et en se tenant dans des directions opposées.

 

The Telephone

Cette peinture a été réalisée à l'origine comme une aquarelle sur papier. En règle générale, l'aquarelle fonctionne mieux pour moi lorsqu'elle est simplifiée dans ses détails de base. Ce processus demande de la précision et de la concentration, devant changer les pinceaux et les couleurs pour chacune des zones qui forment la composition finale. En tant que technique, cela me permet d'être guidé par la peinture sans savoir où elle me mène. Cela crée des effets intéressants inattendus au début de la peinture. C'était un acte presque accidentel qui m'a fait lever le bras de la troisième dame sur le canapé (un acte qui manquait de la concentration mentionnée ci-dessus). J'ai réalisé qu'elle avait besoin de tenir quelque chose. "Un téléphone!", Ai-je pensé, rassemblerait toutes les parties de l'image, lui donnant un sens anecdotique.

 

The Red of the Rose

Le rouge de la rose n'est ni une peinture sur la danse, ni sur l'Espagne. C'est plus un symbole que j'ai emprunté à cette culture pour exprimer ce sentiment édifiant de passion et d'enthousiasme. Cela aurait pu être exprimé sous différentes formes de peinture, mais étant donné ma nature, c'est fait dans un style figuratif. La magie de cette peinture réside dans la façon dont les danseurs traversent l'espace horizontal d'une manière soigneusement calculée. C'est un travail réalisé à l'origine à l'aquarelle et né d'un concept de couleur. Rouge ou vert devenant noir, puis redevenant couleur. C'est un hommage statique à la transition et à sa beauté.

 

A Single Flower

Lorsque "Drama" n'était qu'un mot et restait sous-développé au plus profond de mon esprit, j'avais souvent des visions d'images où le contraste jouerait un rôle majeur dans la composition des peintures. Le particulier et le total d'une idée. La graine plantée et l'arbre qui en résulte. Étant le premier tableau de cette série que j'ai peint, il est intéressant d'observer comment ce principe s'y reflétait. La façon dont la dame assise regarde sa fleur comme pour déchiffrer son mystère ne peut être qu'une métaphore de ce qui m'attendait et devait être fait pour atteindre mon objectif, qui allait d'un tableau à l'exposition terminée, juste comme la fleur unique qu'elle tient et le bouquet complet derrière elle. En tant qu'artiste, je crois en la nature étrangement révélatrice de la peinture et en son potentiel en tant qu'instrument de développement personnel et de croissance.

 

Walking on a Thin Line

Dans la ferme où je vis parmi diverses créatures, l'une d'elles se distingue par être l'objet de mon affection. L'été dernier, je suis tombé sur une photo de Katie (le chat) marchant le long de la clôture par une belle journée bleue. J'ai adoré l'image pour ses valeurs représentatives et symboliques. La façon dont elle occupait le centre de l'espace d'une manière gigantesque, témoignant d'un merveilleux sens de l'équilibre, m'a poussé à le peindre.

 

Na linha do trem

Pour la tournée des ateliers d'artistes du Pontiac de l'année dernière, la déclaration de mon artiste disait: «La peinture, c'est comme marcher les yeux bandés sur une ligne incertaine, en essayant tout à fait de voir la couleur, de garder l'équilibre et de trouver la lumière». Cette déclaration reflète profondément le processus créatif derrière cette peinture qui a été construite étape par étape dans une succession de traits individuels. Chacun de ces traits remplissait un espace bidimensionnel et donnait un sens psychologique à l'image au fur et à mesure de sa progression. C'était un processus plein de surprises.

À un moment donné, ce qui était censé être une échelle (entre le garçon et la dame) est devenu la voie d'un train. Plus tard dans le processus, l'oiseau sortant d'une cheminée (sur le côté droit du tableau) fournit la solution pour la partie supérieure de l'image. Il est multiplié et vole maintenant hors de la cage vers de nouveaux horizons différents.

 

Fado Azul

La musique est une source d'inspiration commune pour moi, non seulement le plaisir immédiat de l'écouter en peignant mais aussi ses éléments visuels; la scène, les musiciens et leurs instruments.   S'il y a un genre musical à dépeindre dans cette exposition, c'est bien le Fado. La musique urbaine du Portugal est un symbole de nature dramatique authentique, de solitude douloureuse et de désir ardent. Compte tenu de l'immobilité et de la symétrie de cette composition, je me suis senti enclin à ajouter plusieurs bras aux musiciens afin de créer une sensation de mouvement. J'avais utilisé une solution similaire dans une image avec plusieurs visages de passage et j'étais satisfait du résultat.

 

L'équestrienne (The Equestrian)

En parcourant un livre d'illustrations à la bibliothèque, j'ai été pris par une belle illustration de Kay Nielsen (Illustration à Minon-Minette de In Powder and Crinoline - Old Fairy Tales 1913). Plus tard, je suis tombé sur quelques tableaux historiques du même thème, qui m'ont inspiré à peindre une figure équestre. Quelques jours se sont écoulés avant que je doive affronter la toile blanche pour ce tableau. Même si j'avais cette inspiration claire en tête depuis le début, cette image a commencé de manière très abstraite. Nous avons tous la capacité d'interpréter des formes abstraites. À un moment donné, le fond de l'image m'a rappelé un paysage, plus précisément un abîme. Après une période de lutte, j'ai pris la décision de placer une dame à cheval sur le côté droit de la toile. Les peintures sont parfois une série de sections individuelles. Après avoir défini cette composition, j'ai constaté qu'elle était trop à droite. Comme celle de Kay Nielsen, je voulais une figure qui dominerait le centre de la composition, créant ainsi l'impact que je voulais. J'aimais son visage et son torse bleus, en fait, à un moment donné, j'ai pensé que l'image serait principalement bleue et verte. C'est juste à la toute fin que j'ai pris le risque d'ajouter le voile rouge à la dame. En conséquence, le rouge a donné à l'image un point focal sans perturber le reste de la composition.

 

Studio with Piano and Mandolin

En 1994, j'ai eu une exposition à la Jacar Gallery avec une série d'œuvres sur papier représentant des scènes liées à l'eau intitulée "Aquatica". C'étaient des dessins utilisant une palette limitée de tons bleus et jaunes soulignés de noir. Celles-ci ont été développées à une époque où je ressentais une forte envie de dessiner plutôt que de peindre. L'inspiration de cette pièce remonte à un voyage que j'ai fait à Montréal, lors du Festival de Jazz. Toute la ville a été prise en charge par les instruments de musique. Je suis rentré chez moi imprégné par la beauté de leurs lignes et de leurs formes. J'ai commencé une série de tableaux à envoyer en Allemagne, où ce style "Aquatica" est apprécié, et j'en ai fait plusieurs en utilisant ces motifs musicaux. L'Allemagne est une terre de grands compositeurs classiques, et cela m'a inspiré pour la composition de mes peintures. "Studio avec piano et mandoline" a été réalisé quatre ans après "Aquatica", en s'inspirant des peintures allemandes. Il reprend les mêmes caractéristiques que la série Aquatica, sauf qu'il a une palette beaucoup plus colorée, et a été peint à l'acrylique sur toile au lieu de l'aquarelle et du crayon conté sur papier.

 

The Duellists

Cette image impliquait l'utilisation de deux modèles différents pour la même composition. J'avais assisté à un atelier de dessin de la vie et j'avais beaucoup d'images esquissées que j'aimais. L'idée m'est venue comme un besoin d'incorporer ces efforts de dessin de la vie dans une peinture finale. Il est intéressant d'observer comment la peinture dans son processus de réalisation peut changer les choses, leur donner une signification inattendue. Ce qui a commencé comme une transposition directe de deux dessins différents dans le même espace, est devenu plus comme les deux côtés de la même personne. Au-delà de son apparente superficialité, la peinture est vraiment confrontée à des sentiments plus profonds, comme notre besoin d'un monde équilibré même si les racines de cet équilibre sont dans le conflit.

 

Musa Maria

L'utilisation de figures féminines dans mes peintures a des significations à la fois symboliques et historiques. Symbolique dans le sens où ils ne représentent aucune personne en particulier; historique parce que j'aime faire des peintures qui reflètent un sentiment nostalgique de la beauté classique du passé, lorsque l'art du portrait avait pour mission de capturer la ressemblance des gens. Cette peinture traite des deux significations à la fois. L'idée est basée sur un tableau réalisé en 1995 (Sitting Lady in Red) qui s'est avéré être l'un des favoris de mon amie Maria. Elle m'a souvent dit à quel point elle pensait que c'était beau. Lorsqu'elle m'a proposé d'en faire une série, j'ai pris son désir d'une manière plus profonde, en donnant à la dame du nouveau tableau son image. De cette façon, j'ai également pu dire à quel point je la trouve belle.

 

Nuit Blanche (White Night)

Cette peinture est un remake d'une peinture réalisée sur papier en 1993 pour une exposition intitulée "Winter Dreams" et a été grandement inspirée par une visite en France. Je suis revenue de France complètement prise par sa beauté et son élégance. Cette pièce particulière est une combinaison de ces idéaux avec mon désir pour l'océan brésilien et son horizon.

 

  First Prize

Chaque automne, mon ami Ted fait participer des fleurs et des légumes à un concours local. Il les ramène ornés d'étiquettes dorées et rouges, signifiant le premier, le deuxième troisième ou le quatrième prix. La vue constante de ces vases avec des étiquettes est entrée dans mon esprit avec une telle force que, même si mes fleurs sont strictement de l'imagination, les étiquettes sont définitivement réelles. Je pensais qu'ils faisaient un élément de composition intéressant, alors je les ai adoptés. L'autre source d'inspiration était une série de peintures réalisées au Brésil l'année dernière sous l'influence de ma sœur Joan qui aime les fleurs, réelles et peintes.  

Les cadres

La raison pour laquelle j'ai commencé à faire des cadres peints était purement économique. Au fil des années, j'ai réalisé qu'ils avaient de plus grandes qualités esthétiques, et ils sont devenus une sorte de marque de fabrique pour moi. Les cadres sont réalisés avec les peintures sur place, en reprenant des éléments et des couleurs qui me permettent d'intégrer la peinture et le cadre. Ce processus est la conséquence de tentatives d'harmonie, plutôt que de choix arbitraires. En fait, l'opportunité de visiter à nouveau un tableau, une fois terminé, afin de compléter le cadre, est un processus qui me donne une grande satisfaction. Pour peindre les cadres, je dois vivre avec le tableau un moment et apprendre à le connaître, voire l'analyser, même si parfois c'est le tableau qui prend la décision.